Blog Decorados Cine y Televisión

Noticias y Novedades

Uso de maquetas en el cine

abril 17, 2018
La producción cinematográfica representa toda una aventura donde el uso de la creatividad es esencial para crear ambientes e historias que, en ocasiones, solo son producto de la imaginación de una o varias personas. Pero… lo más interesante es que a veces estos trabajos quedan tan bien hechos, que llegamos a pensar que esos fantásticos escenarios realmente existen. ¿Quiénes son los responsables de esto? Los efectos especiales que se realizan a través de cromas verdes y otros métodos que pueden parecernos arcaicos, pero que igualmente se siguen aplicando como por ejemplo: las maquetas. Las maquetas en el cine, ¿qué se puede lograr con su uso? A través del uso de maquetas se pueden crear sorprendentes escenarios que, incluso podemos a llegar a pensar que son reales e ignoramos que todo se trata de un  efecto óptico. Las maquetas suelen ser usadas en el cine para recrear catástrofes, por ejemplo; accidentes de aviones,  naufragios, colisiones de trenes, descarrilamientos, entre otros incidentes que han sido representados en tamaños reducidos. Por supuesto, uno de los principales desafíos de conseguir este truco radica en que los actores no se vean gigantes en medio de estas reproducciones, sino que se perciban en un tamaño real como si estuvieran en un escenario a escala real. ¿Pensabas que en todas las películas eran grabadas en ciudades, mares o montañas reales? De ser así, entonces has sido una víctima más de los efectos ópticos del cine, porque para recrear esas fantásticas escenas se utilizan pequeñas estructuras reproducidas en maquetas. Películas donde se han utilizado maquetas Si dudas de todo lo que se puede lograr con estas composiciones en miniaturas de urbanismos, edificaciones y otros ambientes, te revelamos que las maquetas se han utilizado en películas como Star Wars (en sus primeras entregas) y en “2001: Una Odisea del espacio”. Incluso, se han utilizado en filmes más recientes, entre ellos:  ‘Origen’ producida por  Nolan y ‘El Gran Hotel Budapest’, de Wes Anderson. Cómo se usan las maquetas en el cine Solamente empleando la perspectiva adecuada, los productores de cine logran engañarnos con las maquetas, haciéndonos creer que el actor realmente se encuentra en un desierto de Arabia Saudita o en una gigantesca montaña nevada de Rusia. La verdad es que con estos efectos de perspectiva es posible hacer que las maquetas muestren otra realidad en la pantalla. ¿Esto es todo? No, debemos admitir que este truco se perfecciona con una edición posterior a las grabaciones. Sin embargo, la mayor parte del trabajo con las maquetas hay que atribuírselas a aquellos que se encargan de crear manualmente estas composiciones en miniatura. En síntesis, mediante todo un proceso de pre, pro y postproducción es que se consigue representar –cinematográficamente– inmensos escenarios o monstruos que destruyen una ciudad completa. Finalmente, lograr estos engaños ópticos no es un trabajo sencillo, por ello, los trucos que se esconden detrás de aquellas escenas de destrucción masiva y catástrofes merecían un post en esta web, donde hemos demostrado que el engaño es un arte, al menos en

Uso de la iluminación en la escenografía

marzo 26, 2018
El uso de la iluminación en la escenografía es fundamental debido a que gracias a la misma se puede orientar al asistente al espectáculo en la dirección que más interese en cada momento. La iluminación en el cine y el teatro El conocido pensador francés Gilles Deleuze dijo que el medio de toda imagineidad material es la luz y por ello en todas sus obras deja un reflejo del concepto que tiene de esta como una fuerza de la que pueden partir otros mundos o realidades. La magia salida de la unión de ambas, imagen y luz, requiere de la ayuda de los pequeños detalles que ofrece la intervención de las sombras o las paletas de colores. Esta fusión ha sido la temática de múltiples charlas como la sesión ‘Artistas de la Luz’, organizada por Ingmar Bergman en la sala Carlos Chávez del Centro Cultural Universitario. Celebración del Quinto Aniversario Otras grandes figuras que han trabajado con la manipulación de una manera mucho más especial e intencional de la luz han sido Gabriel Figueroa y Alejandro Luna, ambos recordados también en el Lustro de la Cátedra Bergman. Estos comparten sus experiencias con la audiencia para conocer también el lado desde el que ellos lo ven y las tendencias actuales de las escenas pertenecientes al teatro y al cine. En esta celebración hubo muchos asistentes de diferentes ámbitos, pero con mucha importancia en los mismos. Por ejemplo, se pudo observar a Itala Schmelz, Alberto Villarreal, Hugo Lara, Ernesto Contreras, Eli Sirlin, Erika Licea o Galileo Galaz. En este coloquio también se ofreció una mesa diálogo para debatir acerca de lo acontecido en esos cinco años de cátedra y un taller de fotografía para el cine que fue impartido por Tonatiuh Martínez. El punto relacionado con la ciencia lo puso Ana María Cetto en la mesa ‘Iluminar el Espacio Escénico’. También tuvo su hueco el productor y diseñador suizo Reinhard Bichsel, que intentó explicar la iluminación a partir del principio básico de pintar superficies con la luz. Tremenda importancia de la luz natural En el apartado dedicado a los fotógrafos pudieron intercambiar sus experiencias en una mesa redonda en el taller ‘Narrar con luz el drama’. Se recalcó la importancia de utilizar la luz natural siempre que eso sea posible. María Secco compartió su método de trabajo priorizando lo oscuro dentro del núcleo y como base de sus imágenes. La fotógrafa afirmó ‘ver mejor desde la oscuridad’. Otros fotógrafos también hablaron de la importancia de mantener una buena relación con el realizador para que la luz tenga su parte importante en la película y esta funcione. La luz en la escena Para finalizar este coloquio se hizo una charla llamada ‘La luz en el espacio escénico’, con Alejandro Luna y Luz Emilia Aguilar Zinser. El escenógrafo compartió sus orígenes en el oficio, sus dudas ante convertirse en actor o seguir con su sueño de estar detrás de las escenas. Además, explicó que la función de su oficio se encuentra principalmente en dar

Los títeres: teatro infantil

marzo 15, 2018
El teatro con títeres es una rama del arte que cuenta una historia con figuras animadas, movidas por la acción física de una persona que utiliza, por lo general, sus manos. Esta es la características que lo diferencia del teatro convencional y la que, a su vez, lo convierte en un recurso ideal para los niños, hablando muchas veces de este directamente como teatro infantil. Por lo demás, el objetivo de esta disciplina se mantiene, siendo este la comunicación de ideas con la finalidad de terminar creando emociones y sentimientos en aquellos espectadores que disfrutan de la obra. El títere La etimología de la palabra es diferente en cada lugar. En España tomamos esta palabra de derivar el sonido “ti-ti” que hacían unas lengüentas que los titiriteros usaban. En Francia se usa el vocablo “marionnettes” para cualquier títere en honor a las figuras de la Virgen que se usaban para realizar representaciones religiosas y que se llamaban las “petites Maries”. Otros idiomas cogieron y transformaron “pupa, pupae” del latín, cuyo significado es muñeco. De aquí lo encontramos en inglés, como “puppet”. Tipos de títeres para el teatro infantil Veamos los 4 tipos de títeres utilizados en el teatro infantil. Marioneta o títere de hilos Esta es una figura, usualmente de madera, que tiene cabeza y extremidades articuladas. Estas están conectadas todas a una cruz, también de madera, mediante hilos. Es esta cruz la que se mueve para que, a través de los hijos, la figura se mueva de diferente manera. Es la técnica de títere para teatro infantil más antigua del mundo y hasta hace nada, la más empleada. Títeres de guante El cuerpo del muñeco lo forma un guante ancho por el cual el titiritero (equivalente al escenógrafo en el teatro convencional) introduce su mano, que va a parar a la parte interior de cabeza y brazos para darles movimiento. La cabeza suele ser muy voluminosa y bastante más detallada que el cuerpo, convirtiéndose en el eje principal del personaje; de ahí que este tipo de recurso se utilice para trabajar personajes muy característicos. Títere de vara Una mano se introduce por el cuerpo del títere, como en el caso anterior, de manera que sirva de sostén y dé movimiento horizontal. La otra mano se encarga de coger una varillas (por la parte inferior) que, unidas a las extremidades, hacen que estas se puedan mover “autónomamente”. Títere de sombra Su movimiento se realiza como el del títere de varilla. Sin embargo, las figuras en este caso son planas, en 2D y opacas. Se sitúan detrás de una pantalla blanca y en esta será donde se proyecte la silueta de los personajes y lo que los pequeños realmente ven y disfrutan. El ejemplo más claro es el de las sombras chinescas. Son los títeres los principales personajes del teatro infantil, un recurso que, bien trabajo, fomentará el desarrollo de los pequeños de maneras muy variadas.

Escenografías digitales en Teatro

febrero 28, 2018
La tecnología es imparable y se introduce en todos los sectores, no lo podemos evitar. En este caso nos referiremos a las escenografías digitales en teatro, un recurso más que interesante que seguro que te encantará conocer hoy. Lo digital se introduce hasta lo más hondo de nosotros. Y no nos referimos solamente a incluir en las representaciones la producción de intérpretes artificiales o escenarios vivos. Nos estamos refiriendo a que ya el público nos mira a través de su pantalla; nos lo dice el informe de cultura digital creado por Acción Cultural Española, que estudia los fenómenos de la cultura, enfocándose en la ópera, la danza y el teatro, rama que nos toca directamente. Escenografías digitales La tecnología transforma nuestras puestas en escena considerablemente. Aunque una gran parte del trabajo siga recayendo sobre nosotros, lo cierto es que cada vez se puede observar cómo lo digital va comiendo terreno poco a poco, transformando nuestra escena de manera radical. Es un cambio más que visible y cuyo ejemplo más reciente sería el de El oro del Rin, una obra de Richard Wagner que se estrenó a final de pasado año en Oviedo. Para esta, Jaime Cobo, en dirección de Visual Scenic, creó, junto con su equipo, un video-mapping que fue el elemento principal en la escenografía, mostrando imágenes en 3D. Esta presentación les ha servido, además, para conseguir propuestas de otros teatros. El videoarte, dentro de las escenografías digitales, es ya todo un habitual en el escenario, sobre todo en la ópera. Podemos ver títulos ya emblemáticos como Tristán e Isolda con Bill Viola o El anillo del nibelungo, de La Fura dels Baos, que lo montan. Sin embargo, la danza y el teatro son disciplinas que también se están adaptando al cambio, aunque de manera mucho menos significativa y dando prioridad, por supuesto, a la escenografía manual. Lo vemos con Insectotròpics, que combina la música con la pintura y el vídeo en el teatro. La creación mediante PC y los vídeos en circuito cerrado aparecen en los espectáculos Bouazizi y La Caputxeta Galàctica y son todo un éxito. Pero la cosa va más allá y ya podemos ver espectáculos de danza donde la bailarina comparte las tablas con un robot humanoide, como es el caso de Blanca Li. Los dispositivos móviles en el teatro Como adelantábamos al comienzo, la tecnología no sólo se incluye de una única manera en todas estas disciplinas artísticas. A pesar de la prohibición expresa de hacer uso del teléfono móvil en las representaciones y otras formas de arte del estilo, lo cierto es que es muy común ver al usuario haciendo uso de este, aunque siempre de manera educada y, según parece, con la intención de enriquecer su experiencia consultando datos sobre las obras y compartiendo el momento en redes sociales. Así, no es descabellado pensar en la propuesta de un modo teatro o similar que impida que el dispositivo emita sonido alguno pero que sí se pueda hacer uso de ciertos recursos que

¿Qué es un escenógrafo y en qué consiste su trabajo?

febrero 15, 2018
Hay gran cantidad de personas que trabajan detrás de la gran pantalla y de los telones de los teatros. Son personas que nunca salen en cámara y que hacen un gran trabajo en silencio. Sin ellos, no podría salir adelante el espectáculo; hoy hablaremos de una de estas profesiones: ¿qué es un escenógrafo y en qué consiste su trabajo? ¿Qué es un escenógrafo y a qué se dedica? Estas personas dedican gran parte de sus vidas a estar sobre el escenario. Pero se encuentran detrás de las cámaras, ocultas en la penumbra y ayudando a que el show salga siempre bien. Un escenógrafo es la persona que controla todo durante el espectáculo y que únicamente tiene por encima suya al director de la obra. El escenógrafo es la persona que hace posibles todos los deseos que tenga el director de la obra, por muy extraños que sean. Se encarga también de crear los espacios donde se va a llevar a cabo la obra. Será la persona que prepare los escenarios y los decorados donde se va a ejecutar la función adecuándose a las características del espacio escénico.   Estos profesionales de la escenografía, durante el tiempo que dura la representación, se dedican a dar órdenes para que todo salga correctamente. Pueden llegar a dar muchas órdenes consecutivas en un breve período de tiempo para que se ejecuten de manera solapada. En un ensayo, las acciones se hacen con una cronología determinada que se debe de repetir siempre que se ejecute la obra. De ahí que durante el tiempo en que se hace la representación todo esté guionizado y sistematizado. De ahí también que todos los escenógrafos se sienten como los directores de un orquesta llevando la batuta de todo lo que sucede. Algunos escenógrafos no quieren saber nada de todo lo que sucede durante el tiempo en que dura el acto. Consideran que su personaje es secundario y que el trabajo que han llevado a cabo ha finalizado y solamente queda esperar a que termine la obra. A muchos de los escenógrafos lo que más les gusta de su profesión es la realización de trabajo colectivo. Disfrutan de ensayos, charlas con el director y los actores… Quizás su gran problema también sea que, por motivos de su trabajo, no puedan acudir a disfrutar una obra ajena. Se fijan en exceso en sus decorados y escenas y no pueden evitar perderse detalles interesantes de la puesta en escena. Tiene que tener un argumento extremadamente bueno para que no se pierdan en los detalles de sus decorados y trajes y en todo el universo que ellos controlan a la perfección. Grandes nombres en la historia de la escenografía Los escenógrafos trabajan codo a codo con los diseñadores web y de vestuario; aunque, por falta de presupuesto en las obras, muchas veces estos dos personajes son el mismo. Tenemos el ejemplo de las Calderonas, que es una familia de mujeres que vive entre la creación de patrones y vestuario. Estas mujeres han llegado

¿Qué es un esquema en planta? La arquitectura en el cine

enero 31, 2018
El mundo del cine está lleno de curiosidades. Una de las cosas que más intrigan a todo el mundo es qué es un esquema de planta, o lo que es lo mismo, la arquitectura en el cine. Si pensamos en nuestras series y películas favoritas, seguro que en prácticamente todas ellas aparecen viviendas con una determinada distribución. Pues bien, hay profesionales que se encargan de establecer la arquitectura en el cine; y es que los magos del decorado han jugado durante años un papel clave en numerosos filmes. La arquitectura en el cine  Interiors es una revista mensual que se puede consultar a través de internet y que es actualmente la máxima representante de la relación que existe entre el cine y la arquitectura. Así, en cada número publicado aparece una determinada escena de una película o serie de televisión que pueda ser analizada desde el punto de vista arquitectónico. Todos los diagramas se acompañan de un texto que analiza con detenimiento todos y cada uno de los detalles. Algunas de las películas que han aparecido en esta prestigiosa revista son El Resplandor de Kubrick, Annie Hall de Woody Allen y Up de Disney. En todas ellas una vivienda tiene un papel clave en el film. Una buena pregunta es la forma en la que se seleccionan las películas para realizar un análisis de las mismas desde el punto de vista arquitectónico. Pues bien, hay una serie de requisitos. La escena a analizar debe ser convincente y que tenga un cierto interés para los espectadores. Además de una relación directa con la arquitectura, la escena debe estar relacionada con la estructura global de la película en cuestión y su trama. Análisis de La habitación del Pánico Un buen ejemplo de lo riguroso que es el proceso de elección fue el análisis de La habitación del Pánico de David Fincher para el primer número de la revista. Actualmente, el proceso analítico es bastante más ágil; las películas se analizan escena por escena, tomando notas de la narrativa, y haciendo especial hincapié en el espacio, incluso algunas escenas individuales se diseccionan fotograma a fotograma. Se trata de un criterio muy extenso, que incluye un análisis sumamente metódico. Los analistas tienen un alto conocimiento así como una amplia experiencia en el mundo de la arquitectura. Uno de los principales requisitos para ser un buen director de cine es que sea capaz de mirar más allá de la fachada de la arquitectura, sabiendo integrar el espacio interior y exterior de una forma óptima en la trama. Como ves, es interesante saber qué es un esquema en planta. De esta manera, cada vez que disfrutamos de una película o de una serie podemos saber con mayor detalle cómo es la distribución de una determinada vivienda en una escena dada, qué representa y cuál es su importancia. ¿Te ha parecido interesante esta entrada? Seguro que también te interesará entonces saber sobre el papel del color en el cine.

La importancia del atrezzo en el cine

enero 11, 2018
Es posible que más de una vez viendo una película hayáis sentido que le falta algo, que no tiene ese detalle que le distinga de otras películas.  La verdad es que los pequeños detalles son los que marcan la diferencia respecto al resto de competidoras, son los que les hace destacar entre las demás, y en muchas ocasiones, esto se debe a que no se haya escogido correctamente el attrezzo para mejorar la composición de la secuencia. La importancia del atrezzo en el cine ha ido cogiendo cada vez más relevancia, tanto es así que el uso de objetos decorativos en las escenografías pueden llegar a alterar increíblemente el resultado final de las películas. ¿Qué es el atrezzo? Muchas personas piensan que el atrezzo es la vestimenta que llevan los personajes o incluso el decorado que forman las tramas, pero no es así, es más sencillo que eso. Realmente, estos son objetos claves para el desarrollo de una historia de cine, que se hacen fundamentales para la trama y que sin ellos perdería correlación. Hay diversidad de claros ejemplos en las grandes películas de la historia, el cuchillo de la película de “Psicosis” o incluso la peonza de la película “Origen“. Este último, el atrezzo es tan importante que, lograba que nos situáramos en la realidad que se encontraba en cada momento el protagonista Leonardo DiCaprio, guiándonos así por la película. Factores influyentes Entorno Hay que tener muy en cuenta el entorno en el que se va a situar el objeto relevante, sabiendo que dependiendo dónde lo situemos perderá o ganará protagonismo. No podemos dejar que el decorado reste protagonismo a un objeto tan importante en la trama, debemos darle importancia para que el espectador pueda sentirse arropado e inmiscuirse en la película y así no generar distracciones innecesarias. Algunos decorados cinematográficos son tan impresionantes que ayudan sustancialmente a mejorar la trama. Iluminación Otro factor muy importante que quizás a veces pasamos por alto es la iluminación. Este factor será un elemento clave en nuestra escenografía, otorgando al atrezzo la oportunidad de transmitir la sensación que realmente quiere al espectador.   ¿Cómo deben ser? Naturales Cuando añadimos un elemento tan importante a la historia, debemos cerciorarnos de que no queda forzado. Estos tienen que encajar perfectamente con la trama que queremos contar. Cuanto más natural sea, más real se verá por los espectadores y más se introducirán en la película. La sensación que tiene que dar es que la escena es así porque es real y no se ha creado para esta situación intencionadamente.   Simple Siempre hemos pensado que algo muy raro llamará la atención del usuario, pero no siempre es así… A veces, lo simple es lo que más llama la atención, un objeto que cualquiera de nosotros podríamos estar utilizando ahora mismo es lo que te hace realmente introducirte en la historia. Cuantos más elementos se utilicen, mayor será la distracción. Es por eso que objetos tan simples como unos dados pueden hacer que los espectadores crean

La fantástica escenografía de Avatar

diciembre 21, 2017
En Decorados Moya amamos el mundo de los decorados cinematográficos y hoy te traemos un ejemplo de una producción que llevó a cabo una de las mejores escenografías de la historia.Considerada una de las mejores películas del director James Cameron, Avatar fue galardonada con gran cantidad de premios de gran reconocimiento, entre ellos varios Premios Oscar, desde que fue estrenada sobre el año 2009. Y es que, es cierto que Avatar ha triunfado entre el público, no sólo joven, si no entre los más mayores también. Una historia esperanzadora que muestra cómo los sueños y la esperanza puede llevarnos a lograr cosas extraordinarias. Pero, además de un guión que dejo maravillados a gran parte del público, quizás el punto más fuerte de Avatar fue la fantástica escenografía que marcó la diferencia. Una escenografía muy trabajada, con un poder de realismo impresionante que conseguía una sensación de inmersión total. El poder de la escenografía Cuando pensamos en Avatar, por tanto, nos vienen a la mente la infinidad de paisajes ficticios y mágicos que James Cameron y su equipo llevaron a la gran pantalla. El mundo de Avatar La base de la escenografía elegida por el equipo de Cameron fue el increíble mundo ficticio creado por el equipo de guionistas. El mundo de Avatar, un mundo futurista, donde un grupo de seres conviven junto a la natura, respetándola. Vemos un mundo sin tecnologías, con paraísos y especies inconcebibles para la mente del ser humano actual. El paisaje que inspiró el mundo de Avatar Algo que fascinó a gran parte de la crítica fue la capacidad de crear un mundo entero, más allá de sólo el ambiente que rodea a los personajes, pero creando también un mundo general y con planos generales que mostraban cosas tan espectaculares como las islas flotantes. A la hora de crear una fantástica escenografía como la de Avatar, lo primero es tener una idea general. La idea general de este mundo salió de la mente de los especialistas, pero fueron influenciados por algunos lugares reales que, rara vez son conocidos, y que dejan boquiabierto a cualquiera. Es el caso, por ejemplo, de los picos de Zhangjiajie, un conjunto rocoso situado en China que fue de gran inspiración para crear las islas flotantes del mundo de Avatar. El creador de este mundo Sin duda alguna, todo el equipo fue necesario para crear la escenografía fascinante de Avatar, pero hubo una persona que fue clave en este proceso. El director de arte Kim Sinclair fue el creador de gran parte del mundo visual de Avatar y, por ende, de todo el mundo fantástico creado. Director artístico de otros grandes éxitos como “El último Samurai” o “El amanecer del planeta de los simios”, con Avatar consiguió no sólo crear una escenografía fantástica que fascinó a la crítica, si no que consiguió crear un mundo entero dentro y fuera de la pantalla. La creación de este mundo Llevar a cabo esta escenografía fue un reto para todos los que componían el equipo

Wes Anderson,el genio del centro del plano

diciembre 1, 2017
Desde Decorados Moya no perdemos la oportunidad de traeros siempre información interesante acerca del mundo del cine. Es cierto que, como amantes del séptimo arte, siempre nos gusta refrescar la memoria y muchas veces rebuscamos en infinidad de películas buscando detalles. Hoy os vamos a hablar de uno de nuestros directores favoritos, Wes Ardeson y, en especial, su fijación por colocar los elementos clave en el centro del plano, cosa que nos hace considerarle un genio en toda regla. Predominio del centro del plano Y es que, echando un vistazo a ciertos títulos que llevan su sello, como pueden ser ” Fantastic Mr.Fox” o “El gran Hotel Budapest”, enseguida observamos que, más allá de un capricho del directo, está técnica se repite infinidad de veces en todos sus films dotándole así de una marca especial. Composición narrativa del plano La elección de Anderson no suele ser al azar, más bien al contrario, ya que éste genio del cine tiene una intención muy claro al buscar esta composición. Y es que la composición es uno de los elemento más importantes en la creación de un film. Cada director tiene una forma de ver, de pensar y de crear su composición, pero todos usan las mismas herramientas: el tamaño, la profundidad de campo y la ubicación de los elementos en el plano. Y es aquí donde Wes Anderso demuestra que es un genio, ya que a través de su composición es capaz de crear una narrativa que consigue dejar al espectador con la sensación de no haberse perdido nada. El genio de la simetría Por tanto, como hemos comentado anteriormente, Wes Anderson es considerado uno de los genios del centro del plano. Y es que este director ha llevado esta forma de componer el plano a un nivel superior, consiguiendo que la película entera gire alrededor del elemento que él sitúa en el centro del plano.  Hay dos motivos principales que hacen de esta técnica una herramienta muy potente. Por un lado, tenemos la facilidad que encuentra Anderson para dar importancia al elemento que él desea, simplemente con la colocación de éste mismo en el centro del plano y dejando lo que conocemos como “aire” en los laterales creando una simetría total. Por otro lado, otro de las claves reside en que, de cara al espectador, que el director de esta importancia al centro del plano hace que se perciba la idea de que todo lo que sucede en la película esta en plano, que nada queda fuera o que te pierdas algo. Queda claro que, más allá de un simple hecho curioso, a día de hoy no podríamos imaginar una película de Anderson sin una simetría expresa en sus planos, esa construcción tan clara que le hace ser considerado uno de los genios del centro del plano. Si quieres seguir aprendiendo más cosas sobre cine, te apasiona el séptimo arte o eres un curioso del mundo audiovisual, no dejes de visitar nuestro blog donde encontrarás información muy interesante.

Aspectos básicos de la iluminación en televisión

noviembre 22, 2017
No podemos imaginar un mundo en el que al encender el televisor no encontremos una imagen llena de color, iluminación y un presentador con una sonrisa radiante. Y es que la televisión actual no deja de ser un espectáculo pensado para dejar a los espectadores con la boca abierta y, para ello, la iluminación es un aspecto clave.  Desde Decorados Moya sabemos la importancia de una buena iluminación junto a decorados bien trabajados son clave para crear el ambiente ideal. La iluminación en televisión Queda claro, por tanto, que uno de los aspectos clave para la televisión reside en la iluminación. Ésta es la que otorga un carácter e imagen distintos a cada formato, convirtiendo la televisión en algo más que una plataforma emisora de contenidos, si no en una experiencia completa. Aspectos básicos A pesar de que el esquema de iluminación en televisión puede variar dependiendo de la envergadura del proyecto, existe una base con aspectos básicos que siempre se cumplen. Este esquema esta formado por tres puntos clave que no pueden faltar en la composición. Iluminación Principal: Esta es la fuente principal de iluminación del set, generadora de sombras y es la encargada de definir la figura de los actantes. Debe ser la luz más potente de todo el esquema de iluminación ya que gracias a ella se remarcan los elementos más importantes o relevantes del plató. Es de rigor respetar un ángulo inferior al 45º respecto al sujeto iluminado, puesto que de lo contrario se crearía una iluminación molesta para el espectador. Contraluz: A pesar de no ser el elemento más importante, no deja de ser un aspecto básico en la iluminación en televisión. Ésta se coloca detrás del sujeto a iluminar, enfocando hacia éste mismo para, de esta manera, conseguir separarlo del fondo y dar profundidad a la imagen, un aspecto básico en televisión. Luz de Relleno: Esta luz se establece en contraposición a la luz principal y el principal objetivo de ésta no es otro que el de evitar que se creen sombras en el fondo producidas por la luz principal. Además, en muchos proyectos se incluye también una iluminación que dote de luz al fondo de la escena, creando así uniformidad en todo su conjunto. La importancia  de los matizes A parte de un esquema básico de iluminación, es muy importante saber jugar con los parámetros que la iluminación nos ofrece. Y es que, la capacidad de transmitir emociones que la luz tiene, muchas veces no es reconocida. Por un lado, uno de los aspectos clave de la iluminación reside en el color y temperaturas utilizados, siendo conocido por todo el mundo la capacidad de comunicación que tienen los colores. Por otro lado, la importancia de la intensidad, a través de la cual se puede cambiar el significado de un plano en un instante. Es por todo ello que reivindicamos la importancia de conseguir una buena iluminación en televisión para conseguir que los decorados televisivos puedan lucir y conseguir crear ese clima que mantenga al espectador

El color en los decorados cinematográficos

noviembre 7, 2017
Es comúnmente conocido el poder que los colores pueden tener sobre los personas y sus percepciones. Pueden dar significados a objetos, hacer que el espectador se sienta de una manera u otra, e incluso, hacerle pasar del llanto a la risa en cuestión de segundos. El color en el cine No es raro, por tanto, que a lo largo de la historia del cine, muchos directores y cineastas se hayan esforzado mucho en darle importancia al color en los decorados cinematográficos y en las caracterizaciones de sus personajes. Grandes nombres reconocidos del séptimo arte han dejado un gran legado en este tema. Es por ello que hoy en día, en cualquier pieza audiovisual, uno de los puntos clave en el diseño de pre-producción es siempre la elección de la paleta de colores que se usará durante el rodaje y la cual se encargará de realizar el diseñador de producción. Desde Decorados Moya entendemos la importancia del uso del color y es por ello que lo hemos convertido en una de nuestras prioridades  a la hora crear y ofrecer nuestros servicios. La paleta de color Uno de los elementos clave para el equipo de dirección a la hora de crear una película es la paleta de color. Ésta se crea al principio y una vez empezado el rodaje, no puede ser modificada. El diseñador de producción se encarga de formarla, junto al director, y esta compuesta de marcadores, telas, etiquetas o cualquier otro material de bellas artes que pueda servir como guía. Una vez elegidos los colores base, se ha de plasmar la paleta final para que la se aplique en la creación de los decorados.  Es importante que se apliquen los colores de la paleta a los decorados ya que estos pueden ayudar al director cuando quiera transmitir diferentes emociones. Es por ello que una de las partes importantes de la dirección de fotografía es siempre el color y la luz, claves para la creación de la puesta en escena.   Expresando sentimientos a través del color Como hemos comentado al principio, la importancia que tiene el color viene dada por la posibilidad que nos ofrece de hacer transmitir sensaciones y sentimientos a los espectadores. Por ello, siempre se tiene muy en cuenta la psicología de los colores a la hora de llevar a cabo estos productos audiovisuales. Hay diversas maneras en las que el color se puede aplicar. Por un lado, podemos usar los colores para transmitir el cambio de estado de ánimo de un personaje, usando colores más fríos y oscuros para transmitir tristeza o soledad, o usando colores cálidos y luminosos para transmitir alegría y juventud. Por otro lado, es muy común el uso de una paleta de colores específica para dar personalidad a un personaje o un lugar. Es muy común usar colores muy específicos a la hora de crear escenarios cinematográficos, ya que esto otorga personalidad al film y llama la atención del espectador.     Es por todo ello que desde Decorados Moya animamos

Los magos del decorado: Arquitectura y cine

octubre 11, 2017
El diseño y la creación de escenografías para cine y televisión es un arte que no solo contempla seguir unas pautas marcadas por el director del producto, sino que también requiere de una cierta habilidad que se encuentra en muy pocos genios a lo largo de la historia. Los genios del decorado cinematográfico Para conocer la inspiración de los artistas diseñadores de decorados y escénicas de hoy en día, vamos a observar qué grandes figuras han marcado la historia de los decorados cinematográficos y de qué manera realizaron sus obras cinematográficas. Georges Méliès Seria un error no empezar el apartado de genios del decorado cinematográfico por otra figura que no fuera la de Georges Méliès. Innovador del uso de los efectos especiales en el cine, creador de trucos narrativos de cinematografía y un auténtico pionero de los guiones gráficos. Creador de la obra maestra “Viaje a la Luna” en el 1902 donde consiguió asentar las bases del género fantástico inspirado en el gran Julio Verne. Una película de unos 12 minutos de proyección donde se puede observar a seis valientes astrónomos propulsados por un cañón en un viaje hacia la Luna. Se considera a Méliès como el creador del cine de ciencia ficción. George Albert Smith Pionero en los primeros años como innovador del cine. George Albert creó su propia cámara de vídeo para grabar y dirigir sus películas. Gracias a la utilización de una tela negra como fondo del espacio escénico y a rebobinar para volver a grabar la película, G. Albert hizo aparecer un fantasma flotando en la escena como efectos especiales. Otra de sus obras más conocidas es Santa Claus en 1898, asignada como la primera película del mundo que representaba la Navidad. Segundo de Chomón No cabe duda alguna de que Segundo de Chomón es una de las figuras más representativa de los primeros años de la historia del cine. Empezó su trayectoria profesional como colorista y en menos de cinco años, pasó a convertirse en uno de los mejores técnicos del momento. Su estilo cinematográfico refleja mundos ilusionistas, escenas de fantasía y un cine de atracciones y de imaginación. Debido a su carrera profesional, Segundo de Chomón es reconocido como el Méliès español. Ya en el siglo XX, podemos encontrar el trabajo de grandes pintores de vanguardia que trabajaron para los Ballets Rusos de Diágilev, como Pablo Picasso o Henri Matisse. Incluso el mismo Salvador Dalí diseñó algunas escenografías para cine, trabajando mano a mano con el gran Alfred Hitchcock. Ahora ya conoces un poco más de historia acerca de los grandes genios que inspiraron a los artistas actuales sobre el diseño y la creación de decorados. ¿Tienes alguna pregunta? ¡Te contestamos en los comentarios del blog!
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